Desde la Feria Art Rio 10º edición (I)

La Feria de Arte de Rio de Janeiro presentó, en su décima edición, una doble experiencia, entre el 14 y el 18 de octubre de 2020, un evento presencial en Marina da Glória, y del 14 al 25, en versión Online.

Reconocida como una de los principales ferias artísticas de América Latina, ArtRio es una oportunidad para ver, en un mismo espacio, obras de grandes maestros y también de nuevos artistas, en una selección especial de las principales galerías del país. Este año participaron 71 galerías e instituciones (47 en modo presencial y 24 de forma virtual), y se organizaron 27 eventos en la plataforma on-line: artrio.com.

A pesar de un año atípico, debido a la cuarentena por el Covid-19, ArtRio continuó con su innovadora programación. Además de regresar con los programas físicos “Panorama”, que reúne a las galerías ya instaladas en el circuito, y “Vista”, con galerías jóvenes y proyectos curatoriales experimentales, ArtRio contó con la modalidad on-line, con una intensa programación de eventos, como conferencias, mesas redondas, visitas guiadas y performances programadas para todos los días de la feria. Y en el área externa de Marina da Glória, la feria presentó por cuarto año consecutivo “Mira”, un programa de videoarte comisariado por Victor Gorgulho.

Este año 2020, el programa “Mira” invitó al público a explorar narrativas visuales, tanto de artistas consagrados como de nuevos nombres que utilizan el videoarte como plataforma. Bajo el título de “Pantallas, ventanas, horizontes”, la curaduría reunió vídeos y películas de artistas brasileños y extranjeros, cuyas producciones se desarrollan mayoritariamente en el campo audiovisual. Son narrativas contemporáneas – y contra-narrativas – que muestran las características de un presente turbulento y tejen caminos hacia futuros posibles.

Art Rio 2020 desarrolló, para su edición virtual, una plataforma que permite al coleccionador de arte experimentar la sensación de visita presencial de la feria y de las galerías participantes, incluyendo diversos detalles sobre las obras, artistas y contexto histórico. Fueron dispuestos, además, un chat para conversar directamente con los galeristas y canales para la comunicación por vídeo, con el fin de visualizar mejor los detalles de las obras y agilizar las negociaciones de compra-venta.

 

 

Para más datos añadiremos que la 10ª edición de Art Rio recibió un total de 8100 visitantes en Marina da Glória. De entre ellos, el 60% tiene entre 30 y 60 años, el 80% vive en Rio y el 20% restante proviene de otras ciudades de Brasil o del exterior. Con el fin de resguardar la salud de este caudal de público, se tomaron todas las medidas de seguridad obligatorias, incluyendo la exigencia del uso de tapabocas, la disponibilidad de alcohol en gel y la verificación del distanciamiento social. Además, se dispuso un horario de ingreso y un límite de tiempo de permanencia para cada uno de los huéspedes.

En el espacio virtual ingresaron 69 mil visitas, lo que se tradujo en 550 mil vistas de página durante el periodo comprendido entre el 14 y el 25 de octubre. Los principales países que visitaron la feria on-line, aparte de Brasil, fueron: Estados Unidos, Reino Unido, Francia, España y Portugal.

Art Rio 2020 exhibió obras con una amplia gama de precios que iban desde los R$ 1500 (U$D 278.8) hasta los R$ 6,5 millones (U$D 1.2 millones). Por ejemplo, Paula Scamparini, artista de la galería paulista Aura, puso en venta sus fotografías a precios que rondan los R$ 27mil (U$S 5 mil). Otros valores para mencionar, son los de las esculturas hiperrealistas de Jorge Mayet, cuyo importe promedia los R$ 70 mil (U$D 12,700) y las esculturas de neón de Regina Parra, ofertadas en alrededor de R$ 18 mil (U$D 3,300).

En comparación con el año 2019, las ventas se incrementaron en un promedio del 20%, según indicación de las galerías participantes. Entre las que más vendieron se ubica la portuguesa Bordallo Pinheiro, que comercializó más de 170 piezas en su stand de Marina da Glória.

 

 

Selección de Galerías y Artistas Participantes en la Feria Art Rio 2020

 

Galería Rafael Bordallo Pinheiro, Lisboa, Portugal

Rafael Bordallo Pinheiro es una de las figuras más importantes de la cultura portuguesa del siglo XIX, con una producción notable sobre todo en las áreas de dibujo humorístico, caricatura y creación de cerámica. El conjunto de su obra constituye una actualidad inquietante y un documento fundamental para el estudio político, social, cultural e ideológico de una época.

Estará siempre indisolublemente ligado a la caricatura y a la cerámica artística, imprimiéndoles una visibilidad y una calidad nunca antes alcanzadas.

En 1884 comienza su producción de cerámica en la Fábrica de Faianças en Caldas, revelando piezas de gran trabajo técnico, calidad artística y creativa, desarrollando: azulejos, paneles, potes, centros de mesa, jarrones, bustos, fuentes, lavamanos, jarras, platos, botella de perfume, jarrones y animales gigantescos, etc.

Su notable trabajo en cerámica ganó la medalla de oro en exposiciones internacionales (Madrid, Amberes, París y, en los Estados Unidos, en St. Louis).

Manteniendo la integridad de la tradición, y recurriendo a motivos naturalistas desde el origen del gran proyecto bordalliano, junto a las técnicas de fabricación ancestrales, Bordallo Pinheiro inscribe su oferta en la contemporaneidad, gracias a la excelencia y continua reinvención de sus productos, a nivel estético y técnico.

Las piezas utilitarias y decorativas de la marca, por lo tanto, siguen alimentando el imaginario colectivo nacional y fomentando el prestigio de la cultura portuguesa y su industria.

Él ha realizado exposiciones en São Paulo y Río de Janeiro, donde presentó, en 1895, la majestuosa Jarra Beethoven. 125 años más tarde, su galería trajo a ArtRio una obra de Carlito Carvalhosa, que consiste en una piña llena de dedos titulada “Disciplina del sexo” y lanzó su línea de porcelana inspirada en la Amazonia.

Su legado hoy se encuentra en divertidas piezas cerámicas firmadas por hábiles artesanos y artistas diseñadores que colaboran con la empresa, gestionada desde 2018 por el Grupo Visabeira, al igual que la cerámica Vista Alegre y los cristales Atlantis.

Verdaderas obras de arte, la vajilla va desde la mesa -en juegos producidos a gran escala, como la colección Amazonia- hasta el museo, con piezas exclusivas, numeradas y firmadas por nombres como Vik Muniz, Tunga e Isabela Capeto, entre otros.

La línea para la casa inspirada en la Amazonia, con bandejas que imitan la textura de las escamas del pirarucu, la yaca y las piñas, también se vende en Instagram (@bordallopinheiroofficial) y en las tiendas físicas Tutto per la Casa y Vista Alegre. Parte de los ingresos se destina a Ecoarts Amazônia, una ONG fundada por una familia de mujeres dedicadas a la plantación de árboles frutales en la región.

Esta colección es el resultado de un trabajo conjunto entre Bordallo Pinheiro y la ONG brasileña Ecoarts Amazônia, enfocado en la preservación del patrimonio ambiental, cultural, social y científico, crucial para el futuro de la humanidad. Cada pieza se desarrolló a partir de la rica flora local. Este trabajo en solitario fue posible gracias al intenso intercambio de conocimientos con quienes conviven a diario con este vibrante mosaico de ecosistemas, patrones, colores, sonidos y aromas que ofrece la selva tropical amazónica. Parte de los ingresos de la colección se utilizarán para la reforestación de la zona amazónica de Mato Grosso, mediante la plantación de árboles frutales nativos en pueblos, áreas rurales y aldeas indígenas de la región donde opera Ecoarts Amazonia.

La Colección Amazonia ha sido galardonada con un European Product Design Award – obtuvo el premio de oro- y un German Design Award 2020.

 

Galería Simões de Assis, Curitiba/São Paulo, Brasil

 

 

Artista multimedial, Nelson Leirner vivió en Estados Unidos, entre 1947 y 1952, donde estudió ingeniería textil en el Instituto Tecnológico Lowell, en Massachusetts. De regreso a Brasil, estudió pintura con Joan Ponç en 1956. Frecuentó el Atelier-Abstracción, de Flexor, en 1958. En 1966, fundó el Grupo Rex, con Wesley Duke Lee (1931-2010) , Geraldo de Barros (1923-1998), Carlos Fajardo (1941), José Resende (1945) y Frederico Nasser (1945). En 1967 realizó la Exposición-No Exposición, en la que ofreció al público obras propias de forma gratuita. En el mismo año, envió un cerdo de peluche al IV Salón de Arte Moderno de Brasilia y cuestionó públicamente, a través del Diario de la Tarde, los criterios que llevaron al jurado a aceptar la obra.

Realizó sus primeros múltiplos con lona y cremallera sobre chasis. También es uno de los pioneros en el uso de vallas publicitarias como soporte. Por razones políticas, cerró su sala especial en la X Bienal Internacional de São Paulo en 1969, y rechazó una invitación a otra, en 1971. En la década de 1970 creó grandes alegorías de la situación política contemporánea en series de dibujos y grabados. En 1974 expuso la serie “La rebelión de los animales”, con obras que critican duramente al régimen militar, por lo que recibió el premio a la mejor propuesta del año de parte de la Asociación de Críticos de Arte de São Paulo (APCA).

Desde 1977 a 1997 fue profesor de la Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), en São Paulo, donde tuvo gran relevancia en la formación de varias generaciones de artistas. Se trasladó a Rio de Janeiro en 1997, donde coordinó el curso básico en la Escuela de Artes Visuales de Parque Lage (EAV / Parque Lage), hasta el año siguiente. Nelson Leirner falleció en marzo de 2020, razón por la cual la Feria Art Rio le rindió homenaje exponiendo parte de su obra.

La Galería Simões de Assis puso a la venta “Homenaje a Mondrian III”, donde Leirner juega con el neoplasticismo de Mondrian, convirtiendo sus célebres rectángulos pintados con colores primarios, en un mueble de uso cotidiano, como ser la cajonera de un cuarto.

 

José Bechara (Rio de Janeiro, 1957)

 

 

 

El pintor carioca José Bechara, estudió en la Escuela de Artes Visuales de Parque Lage – EAV / Parque Lage, entre 1987 y 1991. Inició su actividad artística a finales de la década de 1980, y realizó su primera exposición individual en el Centro Cultural Cândido Mendes – CCCM, en 1992. Al año siguiente, participó del 13º Salón Nacional de Artes Plásticas, donde recibió un premio adquisición. Desde principios de la década de 1990, ha utilizado el proceso de oxidación sobre lonas de camiones como base de su trabajo, y ha experimentado con otros soportes, como la piel de buey.

Participó en varias exposiciones nacionales e internacionales, incluida la 25ª Bienal Internacional de São Paulo, en 2002, y el 29º Panorama de Arte Brasileño, en el Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM/SP), en 2005.

Bechara es un pintor constructivista con raíces en el movimiento De Stijl de Mondrian, en el grupo Cículo y Cuadrado de Kandinsky y en los maestros de la Bauhaus. Dentro del ámbito brasileño, su obra se inscribe dentro del neo-concretismo local, abstracción geométrica a la que también pertenecieron Lygia Clark, Hélio Oiticia y Lygia Pape.

El cubo es la forma que prima en sus esculturas. En esta obra en particular, llama la atención que los cubos sólidos estén sostenidos por cubos vacíos que sirven de apoyo. En la base, lo liviano, y sobre esa base se apoyan los tres cubos visualmente más pesados. Las figuras de base parecen dibujadas en el aire con líneas de acero oxidado, mientras los tres sólidos quedaron suspensos en el aire. Un juego lúdico que combina formas racionales desarrolladas en el espacio para dar una sensación de dinamismo e inestabilidad.

Sus cubos se apilan, se apoyan, se encajan unos dentro de los otros. Sus tonos ferrosos uniformizan el color, además de sugerir la acción del tiempo y el proceso de envejecimiento a través de la oxidación.

 

Galería Pinakotheke, Rio de Janeiro / São Paulo / Fortaleza

 

 

Escultor, pintor, grabador, fotógrafo. Estudió ingeniería y artes en la Universidad de Leningrado. Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), perdió a toda su familia en un campo de concentración. Se trasladó a Alemania, incorporándose a la Academia de Bellas Artes de Stuttgart, donde fue alumno de Willy Baumeister. Llegó a Brasil en 1948. En 1951 participó en la 1ª Bienal Internacional de São Paulo con dos pinturas. Vivió por un breve período en Paraná, aislándose en el bosque para pintar. En 1956 se trasladó a Río de Janeiro, donde compartió estudio con el escultor Franz Weissmann (1911 – 2005).

Desde 1972 vive en Nova Viçosa, en la costa sur de Bahía. Amplía los materiales para sus esculturas y comienza a utilizar troncos y raíces, sobre los que realiza intervenciones. Viaja constantemente al Amazonas y Mato Grosso para fotografiar la deforestación y los incendios, revelando imágenes dramáticas. De estos viajes regresa con raíces y troncos calcinados, que utiliza en sus esculturas.

En la década de los ‘80 inició la serie africana, utilizando raíces, enredaderas y tallos de palma asociados a pigmentos minerales. La investigación y el uso de elementos de la naturaleza, especialmente de la selva amazónica, y la defensa del medio ambiente, marcan toda su obra.

“Sombra Proyectada” pertenece a su serie de “sombras cortadas”, en la que Krajcberg asocia enredaderas y raíces con figuras hechas con madera cortada, destacando el juego de luces y sombras, además de oponer la geometría de los recortes que se fijan al muro, a la sinuosidad de las formas naturales que se despegan de lo bidimensional, para formar un juego de torsiones en el espacio.

Sus obras de este período tienden a la abstracción, con predominio de los tonos blancos, ocres y grises.

El artista, a lo largo de su carrera, se mantiene fiel a una concepción del arte directamente relacionada con la investigación y uso de elementos de la naturaleza. El paisaje brasileño, especialmente la selva amazónica, y la defensa del medio ambiente marcan toda su obra. Como señala el crítico Frederico Morais: “ La naturaleza se convierte en la materia prima esencial del artista”.